Подборка главных новостей, событий и материалов недели: интервью с Алисией Викандер и Элизабет Олсен, эссе о цифровом «следе» в современном кино «Догмы 95», феномен длинных планов в «Отеле любви» и история творческого метода братьев-аниматоров Куэй, рассказанная ими самими.
Sight and Sound републикуют большой разговор 2013 года, где документалист Джошуа Оппенхаймер анализирует эпохальный фильм и процесс его создания: что привело к замыслу инсценировать убийства, какие этические проблемы возникали при съемке палачей и какова роль кино в чествовании насилия.
О возникновении нестандартного подхода:
Я начал этот проект в тесном сотрудничестве с выжившими, пытаясь снять воспоминания об ужасах 1965 года и задокументировать режим страха и насилия, построенный на чествовании убийств. Но каждый раз, когда мы с выжившими пытались снимать вместе, нас арестовывали и останавливали.
Наконец правозащитное сообщество и сами выжившие сказали: «Снимайте убийц: они будут говорить, и не просто говорить, они будут хвастаться». И, увидев тех, кто убил сотни, тысячи людей и хвастается этим, зрители сразу поймут, почему мы так боимся, и смогут немного прочувствовать природу этого режима».
И [с этого момента] я почувствовал, что мне доверили работу исторической и моральной важности, разоблачающую режим безнаказанности через чествование убийств.
О близости с «героями» и их необычной реакции:
Это было очень интимное путешествие: я думаю, чтобы снять хороший фильм о ком бы то ни было, нужно, чтобы вы были близки, быть готовым к близости. Я искал воплощения чистого зла, а нашел обычных людей.
<...> Все люди, которых я снимал, в течение нескольких минут вызывались не просто рассказать мне о том, что они сделали, но и отвезти меня на места, где они убивали, показать, как они это делали, и привезти с собой мачете, чтобы использовать их в качестве реквизита, а также друзей, чтобы те сыграли их жертв. Сперва я пытался понять, что произошло в 1965 году, но очень скоро начал спрашивать себя: «Что происходит сейчас?» — если эти люди посчитали уместным разыграть то, что они сделали, даже в виде элементарных реконструкций. С этого все и началось.
О связи кино и боли — в прошлом и настоящем:
Я думаю, Анвар [Главный герой фильма, один из исполнителей массовых убийств в 1965 году — прим. ИК] пытается как-то убежать от своей боли, использовать процесс кинопроизводства так же, как он использовал фильмы Элвиса Пресли в момент убийства, чтобы отстраниться от этого акта. Он смотрел фильмы Элвиса, чувствовал себя Элвисом, танцевал, переходя дорогу, и радостно убивал — таким образом он как-то дистанцировался от того, что делал.
Его тянет к боли, самым ужасным воспоминаниям и их воспроизведению, потому что он каким-то образом пытается заменить миазматический, бесформенный, невыразимый ужас, который посещает его в кошмарах, на эти сдержанные, конкретные сцены. Он словно пытается кинематографически-психическим способом зарубцевать рану. <...> В этом смысле фильм не является психодрамой, он не ведет его к искуплению. Я пытаюсь задокументировать их театрализованные действия как примеры чествования геноцида, как способ разоблачения режима безнаказанности от имени выживших. Он же пытается убежать от того, что сделал.
Об эскапизме и «увлечении злом»:
Я снимал этот фильм одновременно с развивающимся кошмаром, когда не просто моя страна практиковала и потворствовала пыткам, но и большая часть политического спектра прославляла их… <...> Речь идет не только о безнаказанности и банальности зла, но и настойчивом увлечении злом, в котором мы все также замешаны.
И это не значит, что фильмы с насилием вызывают жестокое поведение. Если вы посмотрите на фильм, который Анвар цитирует как помогавший ему убивать, — это мюзикл Элвиса Пресли. <...> Так что, возможно, настоящая проблема в другом — поскольку мюзиклы Элвиса Пресли не жестоки, они просто немного глупы: сами эскапистские развлечения и нарратив, использование историй для ухода от жестокой реальности нашей жизни — и когда она жестока, и когда не очень.
Актрисы рассказывают The Film Stage о фантастическом дебюте Флёр Форчун, вживании в образ, битве едой и потенциале научной фантастики для разговора о современности. Вот основные цитаты:
Как сыграть ребенка в теле взрослого:
Викандер: Я думаю, что если вы собираетесь играть ребенка, то и поведение у него должно быть детским... В смысле это единственное, что я вижу, когда смотрю на юных людей: они почти полностью не осознают себя. И благодаря этому они становятся невероятно подлинными и сиюминутными, что восхищает тебя, когда ты взрослая, потому что чувствуешь себя несколько фальшивой. Поэтому я хотела убедиться, что это не карикатура. Очевидно, нам никуда не деться от факта, что эти вещи будет делать человек во взрослом теле, и это уже накладывает отпечаток абсурда. Так что я хотела сделать иначе — настолько убедительно, насколько это возможно.
О вызовах и возможностях камерных фильмов:
Олсен: <...> Думаю, сложность в том, чтобы рассказать динамичную историю в ограниченном пространстве, как заставить ее двигаться вперед? И как создать арку, которая ограничена одним местом? Мне кажется, что это во многом работа режиссера — а уже потом мы пытаемся разобраться с композицией, переменой отношения [персонажей], со всей динамикой, что очень, очень весело для нас. <...> Ты весь день одержимо участвуешь в командном обсуждении, а не просто приходишь на съемочную площадку и произносишь заготовленные реплики. По большей части вы пытаетесь «собрать» сцену вместе с другими актерами, режиссером и оператором — понять, как все мы собираемся рассказать лучшую версию истории в этом пространстве.
О научной фантастике как возможности для диалога:
Олсен: ...причина, по которой я считаю научную фантастику такой действенной, — отсутствие жесткой необходимости напрямую отражать современную культуру, что иногда может побудить зрителя защищаться. «Кто-то пытается преподать мне урок», или «наш президент не такой», или что-то еще. Вы получаете свободу от того, что находится за кадром, но это все равно про те ценности, идеи и теории, о которых мы все иногда думаем или говорим на разных этапах жизни. Может быть, это происходит в значимые политические моменты, может быть, во время трагедий, но мы начинаем вести эти разговоры. И такие фильмы, как этот, дают нам возможность поразмышлять.
Эссе Metrograph по случаю перевыпуска культового фильма, относящегося к жанру пинку-эйга — так называемых розовых фильмов, где важное место занимают криминал, насилие и эротика, а ключевая роль была отведена женщине. В тексте рассматривается место «Отеля любви» в истории провокационного жанра и карьере Сомаи, новаторский подход режиссера и его последователи.
В эссе Criterion Collection экспериментальное движение рубежа веков рассматривается с точки зрения вклада в развитие «цифровой» эстетики кинематографа и особых отношений реальности и вымысла в фильмах «Догмы».
В Лондоне идет выставка легендарных аниматоров под названием Dormitorium , где выставлены модели и элементы оформления их фильмов. В BFI вышло интервью с братьями об их тернистом пути к созданию первого за 19 лет кукольно-игрового фильма.
Эссе Sabzian о дебюте режиссерского тандема — гипнотическом портрете художника-шизофреника Жайме Фернандеша, попавшего в психбольницу во времена репрессивного режима Салазара. Ключевая тема материала — как «напряжение между элементами фильма» позволяет зрителю ощутить мироощущение героя.
Нина — опытная гинекологиня, которая делает незаконные аборты в грузинской глубинке (женщины обращаются к ней тайком от мужей и отцов). Когда во время родов умирает ребенок, ее обвиняют в халатности, а расследование инцидента грозит раскрыть ее тайну. Однако, несмотря на риски, Нина продолжает помогать людям. Мистическая драма, получившая Специальный приз жюри на прошлогоднем Венецианском кинофестивале, выйдет в США в апреле.
К сожалению, браузер, которым вы пользуйтесь, устарел и не позволяет корректно отображать сайт. Пожалуйста, установите любой из современных браузеров, например:
Google Chrome Firefox Safari